巴西的画家色彩拼贴画叫什么名字

‘壹’ 什么叫波普艺术

是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为"流行的、时髦的"一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。 在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。 20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。波普为Popular的缩写，意即流行艺术、通俗艺术。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。 美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。 美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和R.劳申伯格，影响最大的艺术家是A.沃霍尔、J.戴恩、R.利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。 集合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。 在波普艺术中，最有影响和最具代表性的画家是安迪·沃霍尔(Andy Warhol，1927—1986)。他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者。1962年他因展出汤罐和布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。他的绘画图式几乎千篇一律。他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像以及玛丽莲·梦露头像等，作为基本元素在画上重复排立。他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。对于他的作品，哈罗德·罗森伯格曾经戏谑地说：“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子，就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。”他偏爱重复和复制。“我二十年都吃相同的早餐，”他解释说：“我想这也是反复做同一件事吧。”对于他来说，没有“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。他有意地在画中消除个性与感情的色彩，不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。他有一句着名的格言：“我想成为一台机器”，恰与杰克逊·波洛克所宣称的他“想成为自然”形成鲜明对比。他的画，几乎不可解释，“因而它能引起无限的好奇心——是一种略微有点可怕的真空，需要用闲聊和空谈来填满它。”实际上，安迪·沃霍尔画中特有的那种单调、无聊和重复，所传达的是某种冷漠、空虚、疏离的感觉，表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。 玛丽莲·梦露的头像，是沃霍尔作品中一个最令人关注母题。在1967年所作的《玛丽莲·梦露》一画中，画家以那位不幸的好莱坞性感影星的头像，作为画面的基本元素，一排排地重复排立。那色彩简单、整齐单调的一个个梦露头像，反映出现代商业化社会中人们无可奈何的空虚与迷惘。 波普艺术，亦称为“流行艺术”，发端于20世纪60年代左右，以英国伦敦和美国的纽约为中心出现的一个艺术运动。 英国画家理乍得·汉戴尔顿曾把波普艺术的特点归纳为：普及的（为大众设计的）、短暂的（短期方案）、易忘的、低廉的、大量生产的、年轻的（对象是青年），浮滑的、性感的、骗人的玩意儿，有魅力和大企业式的。 波普艺术又称普普艺术，是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。波普艺术试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。波普艺术这个字目前已知的是1956年英国的艺术评论家罗伦斯·艾伟Laurence Alloway所提出的。 波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的沿伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。1960年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。 波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。

‘贰’ 由彩色方块构成的一副世界名画叫什么名字作者是谁

蒙德里安(Piet Mondrian，1872—1944)是风格派最核心的人物。1923年，凡·杜斯堡在《风格》杂志创刊五周年之际，写了一篇社论向蒙德里安致意：“尽管不同国家的好几位画家自觉或不自觉地努力创造一种新的造型表现，但在1913年前后，是画家彼德·蒙德里安第一个作为立体派富有逻辑的继续，实现了绘画上新的造型，这一行动得到最新一代荷兰画家们的拥护，使最先进的画家们相信有可能创造一种新造型风尚。因此，《风格》杂志把蒙德里安尊为新造型主义之父。”

蒙德里安，以其独特的“水平线——垂线”和原色、非色组合的极简绘画图式，将现代抽象绘画带到了一个新阶段。但是需要指出的是，他绘画的核心倒并不是抽象，而是某种内在的精神性追求。评论家乔治·施密特说， “他(蒙德里安)的绘画远非仅仅是形式的试验——它们象任何纯艺术作品一样，是伟大的精神上的成就。一幅蒙德里安的绘画挂在一所完全按照蒙德里安的精神设计的住宅或一间房里，那么这里比使用任何物质对象，都具有一种根本不同的特色和更轩昂的气概。它是精神观念或态度的最崇高的表现；它是规矩与自由之间的均衡的化身；它是平衡状态中元素的对立的化身；而且这些对立的精神的作用不低于物质的作用。蒙德里安在他的艺术中所赋予的精神力量，将从他的每一幅画中永远放射出精神的和肉体的光彩。”(赫伯特·里德着，刘萍君译： 《现代绘画简史》，上海人民美术出版社，第115、116页。)不过，这种以追求精神性为核心的绘画，其实并没有与客观自然绝对隔离开来。对蒙德里安来说，精神与物质是相通的。他认为， “在新造型主义中，那条将心灵与生活连结起来的纽带并未割断；因此我们绝对不会把它看作是对真正现实生活的否定，相反，我们将会看到物——心两重性趋于和谐。”(迟轲主编： 《西方美术理论文选》，四川美术出版社，第740页。)

蒙德里安出生于荷兰中部的阿麦斯福特，成长在一个严格信奉加尔文教的家庭。他的父亲是一位业余画家，而叔父则是职业艺术家。良好的家庭教育给了他直接的艺术启迪。20岁时，他在取得小学绘画教师资格和中学绘画教师资格以后，进入阿姆斯特丹的国立美术学院深造，成为一名勤奋刻苦、颇受老师赏识的好学生。他的早期绘画从学院派写实主义起步，受到过象征主义、印象主义、表现主义等风格影响。从一开始，对于形体构成因素的偏爱，便在其画中清楚地反映出来。

大约在1909年，蒙德里安对“通神论”产生浓厚的兴趣。他在该年五月正式加入“荷兰通神论者协会”。该协会的神秘教义，在对艺术的理解上充满神秘和象征的色彩。受通神论的影响，蒙德里安的艺术逐渐脱离自然外形，转而追求某种深层的内在精神的表达。这幅作于1910—1911年的三联画《进化》，可以说是一幅通神论的祭坛画。画中站着的人物处于恍惚沉思的状态，似乎已经获得了某种精神的启示。画面以蓝色为主调，点缀着黄色的星星和红色的西蕃莲花朵。独特的造型和对比鲜明的色彩使画面发散出某种患惑人心的力量。该画有一个颇为神秘的标题：《进化》。对于这一标题的选择，蒙德里安在其1914年的笔记中是这样解释的：

“有两条路通往精神的层次：一条是学理上的教导以及直接的实践(如沉思等)；另一条则是漫长却必然的进化之路，人们在艺术中看到精神性的缓慢成长，这是艺术家自己所未能意识到的。去接近艺术中的精神性吧尸(《大英视觉艺术网络全书》，台湾大英网络股份有限公司，第96页。)
http://www.singtaonet.com/culture/arts/t20060106_112740.html

参考资料：http://news.zol.com.cn/27/277698.html

‘叁’ 艾瑞·卡尔：绘本大师、“好饿的毛毛虫之父”

序 ：

       启蒙绘本、亲子互动、引导孩子读绘本、培养孩子阅读兴趣……艾瑞·卡尔的好多绘本都是非常好的选择，如果你想给小宝宝选择绘本，又不知道该选什么，那艾瑞·卡尔的《棕色的熊、棕色的熊，你在看什么？》《从头动到脚》《好饿好饿的毛毛虫》等都是不错的选择。内容简单易懂，画面色彩丰富，设计的游戏特性等都特别适合小宝宝作为培养兴趣的入门级绘本。可以亲子互动增强亲子关系，培养宝宝对绘本的阅读兴趣，同时还可以进行基础的学习认知。如果让宝宝接触英语，可以直接读英文版，也非常适合。

         我很遗憾当时了解太少、遇到艾瑞·卡尔太晚，希望看到这篇文章的你不要错过。作为家长我们可以通过网上浏览多了解绘本，再决定入手哪些。

        已经连续分享了好多本绘本大师艾瑞·卡尔的作品，今天介绍一下这位作者以及近期分享的他的绘本。

【简介】

      美国设计师、插画家、儿童绘本作家和儿童文学作家，他最有名的作品是《好饿的毛毛虫》。

        39岁那年，他独立创作了第一本图画书《1，2，3，去动物园》，这本书获得了波洛尼亚国际儿童书插画展大奖。他感慨万分地说：我是一朵晚开的花，40岁才成为一名图画书作家、图画书画家！

      自从1969年以来，他已经创作超过70本书籍，在2003年赢得了劳拉·英格斯·怀德奖（因他对美国儿童文学贡献）。他创建的的个人图画书美术馆，是美国第一个图画书美术馆。

【 生平介绍 】

       1929年6月25日出生于美国纽约州的锡拉丘兹，父母都是德国人，6岁时，随父母一起搬回到了德国。权威教育下的学校生活及时代的战乱，让他的少年时光并不快乐。这让艾瑞·卡尔一直对重返美国充满憧憬。

       艾瑞·卡尔讨厌德国式教育，16岁那年退学，从小就已显露绘画天赋的艾瑞·卡尔，在中学绘画老师的推荐和母亲的鼓励下，进入斯图加特国立美术学院（State Academy of Fine Arts Stuttgart），学习了四年的视觉艺术。师从当时的大师施耐德教授。

       艾瑞·卡尔说：“他（施耐德教授）不是一个容易讨好的人，但是一个‘大师’，他在40多年里培养了德国大多数顶尖的设计师、插画师和美术教师。他常常谈到要有使命感，作为设计师的责任是要为大众创造更好的环境，在此之上谈的才是构图、色彩和设计。他会发现每位学生的天赋然后加以培养。更重要的是，他以某种方式为我们注入了灵性。”他也曾经在采访中提到他的恩师施耐德教授对学生的教导：“日日新、向前进、保持好奇心、惊喜不断。”

       1949年，20岁的艾瑞·卡尔从美术学院毕业，在时尚杂志做艺术指导。但他太怀念儿时美国那间洒满了阳光、可以自由画画的教室了，太想回美国了，终于在1952年23岁那年，兜里揣着四十美元，回到了阔别了十七年的纽约。他给当时担任《财富》杂志艺术总监、后来以《小蓝和小黄》《小黑鱼》等作品闻名于世的李欧·李奥尼打了一个电话，李欧·李奥尼不但请他吃了一顿午饭，还给他介绍了一份工作。受到李欧·李奥尼的赏识和推荐，年轻的艾瑞·卡尔顺利开始了在《纽约时报》(The New York Times）的工作，从事广告部的美术设计。后来艾瑞·卡尔又到一家广告公司做艺术总监，他在广告行业一做就是15年。

       1967年，教育家、图画书作家比尔·马丁（Bill Martin）被艾瑞·卡尔在广告画中的一条红色龙虾吸引，决定找他来合作图画书，为他写的一个故事画插图，也就是着名的《棕色的熊，棕色的熊，你在看什么？》（Brown Bear， Brwon Bear， What Do You See？）。

       处在不惑之年的艾瑞·卡尔首次为孩子画画，开始了图画书的创作。和比尔·马丁的合作让艾瑞·卡尔意识到了重复和节奏的价值。在《棕色的熊》的创作中，艾瑞·卡尔慢慢找到了方向，他自制色纸，运用明亮的色彩和别致的造型构思画面。这次充满乐趣、大胆发挥创意的过程，让他感受到自由挥洒的畅快，找回了童年绘画的乐趣，也引领他日后走向为儿童创作图画书的道路。

        他开始尝试自己写图画书，他将自己的想法画成书稿，保存在一个纸板箱里。他将自己的画稿拿给编辑安·本尼迪丝看，他带给安的第一本书是《1,2,3,去动物园》，艾瑞·卡尔说他这本书做的特别小心，他当时对自己的文字没有信心所以避免用文字。

        他还给安讲了一个故事，故事的主角是一只蠕虫，它在书页间咬出了洞洞。也就是后来的《好饿的毛毛虫》

      1968年，他独立创作了首本图画书《1,2,3,去动物园》》（1，2，3 To The Zoo，1968），获得了博洛尼亚国际儿童书插画展大奖。可直到这时他也不能确信自己能否以创作图画书为生。

      1969年的《好饿的毛毛虫》令艾瑞·卡尔名声大震，形成一种全新的创作类型、创作风格，经久不衰，正是这只毛毛虫，点燃了他后半生不遗余力地为孩子们创作图画书的希望。

      艾瑞·卡尔年近40开始创作，迄今为止，他已经创作了《好饿的毛毛虫》、《好忙的蜘蛛》（The Very Busy Spider，1985）、《海马先生》、《爸爸，我要月亮》（Papa， Please Get The Moon For Me，1986）等七十多本色彩缤纷、富含想象力的拼贴画风格的图画书，小读者遍布世界各地。

        2002年12月，他与妻子共同成立——艾瑞克·卡尔图画书美术馆（），带领读者领略更多图画书的美丽与丰富。这也是美国第一家图画书美术馆。

        不过，在很长的一段时间里，他的图画书并没有得到应有的评价，他甚至没有得到过凯迪克奖，这是因为批评家们不喜欢把书降低到像玩具一样的位置。2003年，为了弥补这一缺憾，美国图书馆协会授予他劳拉·英格尔·槐尔特奖，这也可以算是对他作品的艺术性表示的一种迟到的承认吧。

       现在，他和妻子芭芭拉住在马萨诸塞州的北安普敦市。已经90多岁的他，是一位非常可爱的老人，精力旺盛，耄耋之年仍然笔耕不辍，“日日新、向前进、保持好奇心、惊喜不断。”

【 作品特点及理念 】

        ⭐画风鲜明独特，采用拼贴方式，层叠出明亮欢乐的图样，还要各种尝试和创新，有洞洞、声音、立体、折页、pvc透明页……，赋予书本阅读和游戏双重特性。

        ⭐他的创作流露出童稚般的天真，表达出对自然的了解与关爱，引导小朋友从周遭事物中学习。

        ⭐ 他的作品也总是从孩子的角度出发，用重复的、韵文式的字句，为孩子营造愉快的阅读气氛。

        ⭐艾瑞.卡尔毕生致力于为儿童打造一个自由、充满想象的童话世界。

        ⭐受到父亲的影响，他对自然界的动物有着强烈的好奇与热情，细腻的观察。

        艾瑞·卡尔在采访中说，他父亲是一位非常注重精神生活的人，总带他去看关于自然的电影，父母都是一个自然俱乐部的成员，他们经常一起去林子里散步、远足，所以艾瑞·卡尔的童年跟大自然非常亲近，这也是为什么他的作品对这么多可爱有趣的动物有这么细腻、生动的表达的原因吧。艾瑞·卡尔老爷爷还说自己特别被印象派画家的笔触所吸引，这些画家包括莫奈当然还有梵高，在这些笔触的启发下他回到画室自制了更多的彩纸。

        ⭐许多孩子都在家里或是课堂上模仿艾瑞克·卡尔，作一条绿色的毛毛虫，而这让他感到欣慰。他就曾经说过：当我听到一个孩子对我说“哦，你的书我也能做”时，我认为这是对我的最高评价。艾瑞·卡尔说他就是想让孩子们看到这些作品的时候感觉好像是自己创作的一样。

        没有任何颜色是错的，不必永远墨守成规，艺术本该是自由随性。鼓励孩子发挥想象力，创造自己的颜色、创造自己的动物。       ---艾瑞·卡尔

【 作品介绍 】

1、 《棕色的熊、棕色的熊，你在看什么？ 》Brown Bear, Brown Bear, What Do You See?（启蒙认知、低幼、动物、颜色）

      艾瑞·卡尔第一本插画书，创意拼贴，色调鲜明、充满节奏感，启蒙认知、颜色、动物、英语启蒙。日本绘本之父松居直推荐。

       “棕色的熊、棕色的熊，你在看什么？”“我看见一只红色的鸟在看我。”“红色的鸟、红色的鸟，你在看什么？”“我看见一只黄色的鸭子在看我。”……随着这样一问一答的句子、重复的韵律与节奏，一本充满各种动物与色彩的图画书。

2、 《1、2、3到动物园 》 1，2，3 To the Zoo （启蒙认知、低幼、数数、动物、颜色）

        艾瑞·卡尔第一独立创作的图画书。结合火车和动物，拼贴手法、多变造型、丰富颜色、对比鲜明，帮助孩子认识数字、认识动物、色彩启蒙

       内容：书的开篇，驶来了一列火车，列车上载满了各种动物，1头大象、2只河马、3只长颈鹿、4只狮子……来了，都来了，让我们坐上艾瑞•卡尔的快乐列车去动物园吧！一路上数啊数，最后数来了十只彩色的鸟儿。如果细心一点，你会发现每一页都有一只小小的老鼠藏在角落里，在书页的底下，列车的车厢和动物也会不断增加，当载满动物到动物园后，车厢就空了。

3、 《好饿的毛毛虫》 The Very Hungry Carterpilla（启蒙认知、低幼、颜色、科普）

       令艾瑞·卡尔名声大震的经典作品，创立了一种全新类型和风格，充满诗情与创意。

       故事很简单，但艾瑞·卡尔的图画和创意让它变成了经典，贯穿全书的一串小孔，代表着毛毛虫的穿行路线——带给孩子们阅读与游戏的双重体验。

4、 《从头动到脚》 From Head to Toe（启蒙认知、低幼、动物、运动）

       作者用独特的拼贴画，画出了大象会跺脚、大猩猩会捶胸、野牛会耸肩膀等十二种不同动物的“招牌动作”，并以“我会……，你会吗？”和“这个我会”的重复句型，邀请小小孩一起来转头、弯脖子、摆动胳臂。

       释放天性和孩子一起动起来，让孩子在运动中发展身体潜能，培养能力和自信。

5、 《 画了一匹蓝马的画家 》 （启蒙认知、画画、想象力、创造力）

       没有任何颜色是错的，不必永远墨守成规，艺术本该是自由随性。这本书鼓励孩子发挥想象力，创造自己的颜色、创造自己的动物。---艾瑞·卡尔

       艾瑞·卡尔八十岁后创作的大胆且深具视觉震撼力的作品。艾瑞·卡尔用主观的色彩，画出动物独特的灵性与活力，激发孩子无穷的想象潜力，鼓励孩子尽情表达。

       内容：看啊！一头鲜黄色的牛，在星星点缀的湛蓝夜空下，凝视远方；火红天空下，一只绿色的狮子，自信地展现原始的生命力！在大师笔下，蓝色的马、黄色的牛、绿色的狮子、彩色圆点的驴子，以及各种颜色不寻常的动物，看似不合常理，却又让人忍不住被深深吸引。这一切是要向画家弗朗兹·马尔克(Franz Marc)致敬！

6、 《画一个星星给我》 （启蒙认知、画画、想象力、创造力）

       拼贴、大胆用色、充满活力、天马行空，不拘泥于“画得像不像”，也没有“画得对不对”的考量；洋溢着想象力和创意，让孩子领略绘画的魅力，激发想象和创造的潜能。也激发和鼓励小读者尽情地挥洒画笔，发挥自己的创意，尝试各种新奇的可能性，享受艺术创作的乐趣。

       内容：书中借由隐形的第三人，向画家要求一个星星，紧接着星星又要求画一个温暖的太阳；太阳要求画一棵可爱的树……如此描绘出一个个多彩多姿的生命，诉说宇宙生生不息的创造力与生命的循环。

7、 《 爸爸，我要月亮 》 （父爱、想象力、科普）

小茉莉和爸爸为实现实现梦想而努力的故事，感受自由、美好、充满想象的童话世界，寓教于乐。拼贴、立体、折页设计，充满惊喜。

内容：小茉莉很想和月亮一起玩，但她摘不到月亮，便拜托爸爸把月亮摘下来，于是爸爸拿了一把好长好长的梯子，架在一座好高好高的山上，努力地向上爬呀爬，但是月亮太大拿不下来，爸爸只好等到月亮变成下弦月，才把月亮带回给小茉莉玩…… 这是有关爱与梦想的故事，上下打开的多种折页变化，让孩子惊奇感受空间延伸的巧妙创意。孩子从故事情节中，不仅可以了解长短、高矮、大小等概念与形容词，还能从中观察到月亮阴晴圆缺的自然现象。

8、 《袋鼠也有妈妈吗？》 （低幼、启蒙认知、母爱）

       相互依偎的一问一答中，感受浓浓的母爱，带你认识十一个可爱的动物家庭，一同感受浓浓的母爱。

       内容：我们人类都有妈妈，那么猫、狗、企鹅这些小动物们也有妈妈吗？这可能是每个小朋友曾经有过的疑问。故事非常简单，一个没有出场的小孩一遍又一遍地问着同一个问题：“袋鼠/狮子/猴子/海豚也有妈妈吗？”而回答也是始终如一的：一个大大的、鲜艳的“有！”接着，作者还用具有抚慰性的语调告诉孩子：“就像我有你也有”，每个孩子都有妈妈。艾瑞•卡尔用他的图画，为小朋友介绍了十一种可爱动物的外型和迷人的神态，小读者不但从图画中得到视觉上的快乐，也从作者对母爱的一再重申之中，得到了亲情的抚慰。

9、 《 海马先生 》  Mister Seahorse（父爱、科普、海洋动物）

       艾瑞·卡尔温情“自然科普，”一首自然界的父爱赞歌！透明页描绘出精彩的海底世界，认识海洋世界中的育儿奶爸，感受浓浓温馨父爱。

       内容：艾瑞·卡尔运用彩绘拼贴和透明页，制造出真实、丰富而有趣的海底情境，介绍了自然界中负责育儿孵卵的爸爸们，他们努力保护、照顾宝宝，展现浓厚的父爱，诉说了一个海洋世界中奶爸们的故事。

10、《 小种子 》 （哲思、生命轮回、科普）

       小种子乘风离去，历经波折，终于落地生根、开花再播种，展示生命传承和延续的不易和成长的力量，认识生命的轮回和意义。寓教于乐，兼具知识、趣味和哲思。

       内容：秋天来了，大风把种子们高高地扬起来，带到远方。在这些种子中间，有一粒特别细小，比别的所有种子都小。这粒小种子能跟上别的种子呢？这些种子又会被带去哪里呢？让我们跟随这粒小种子，看看一路上会遇到什么，如果我们是这粒小种子，我们会怎么来对待呢？

11、 《 好安静的蟋蟀 》 （关于爱和成长、科普、昆虫）

       拼贴画讲述的简单快乐、关于爱和成长的动人故事，体会成长的奥秘，而且是一本有声书，有蟋蟀唧唧唧唧的叫声。

       内容：个暖和的日子里，小蟋蟀出生了。大蟋蟀、蝗虫、螳螂、蜻蜓……他遇见的动物们都热情地向?打招呼，小蟋蟀很想回答，可是他用力地摩擦翅膀，却发不出声音。直到有一天，在月光下，他遇到了一只母蟋蟀，于是它再摩擦一次翅膀，这一次，他为母蟋蟀摩擦出最最美妙的声音……

       我希望你爱听这个故事。现在把书合起来吧，让蟋蟀的唧唧唧唧……永远永远陪着你。---Eric Carle

12、 《 拼拼凑凑的变色龙 》 （自我认知、自我认同、科普、趣味、色彩）

       艾瑞·卡尔的创意游戏书。变色龙不仅会变色，还会“变形”！让孩子了解自己、肯定自己。

       内容：艾瑞•卡尔用美丽的拼贴画讲述了一个变色龙的故事：它会抓苍蝇，也会变换自己身上的颜色，可是它还觉得不够好玩。直到有一天，它来到一个动物园，突然发现自己的外形也能够变得像其它动物一样。于是，它变得像熊一样大，变出了火烈鸟的翅膀，狐狸的尾巴，鹿角，还有长颈鹿的脖子……最后，它成了一个滑稽的四不像。但是，他快乐吗？一点儿也不……故事充满童真，同时发人深省，让孩子在开怀大笑的同时，也学会了解自己、肯定自己。

13、 《 小羊和蝴蝶 》 （哲思、人际关系、包容）

       人际关系必修课，学会尊重和包容。拼贴与涂刷技巧，表现亲情及自然景象。

       内容 ： 小羊遇到了蝴蝶, 小羊一直希望蝴蝶能留下来陪他，但蝴蝶喜欢海阔天空地飞呀飞……小羊和蝴蝶最后会在一起吗?本书借由小羊和蝴蝶的互动，呈现两种截然不同的生活模式：小羊群居，蝴蝶单飞以及两者相遇所产生的趣味对话，让孩子了解包容和尊重的道理，要学会去接纳与包容不同的声音，让不同的乐器，共同合奏出动人的乐章。

以上绘本，前面都有图文文章，需要可自行查阅。

‘肆’ 请问那个画黑色格子裏面填充着红色蓝色和黄色色块的画家叫甚麽名字呢

蒙德里安,好吧,我最喜欢的画家
现代建筑的很多形式都受他的影响
荷兰三大画家之一
最近才受他画的启发做构成作业

‘伍’ 请以毕加索的拼贴画《吉他》阐述解构艺术造型的概念以及特点

1、解构艺术造型的概念：

单从字面理解，一个“解”字意为“解开、分解、拆卸”;“构”字则为“结构、构成”之意，简单的可以理解为“解开之后再构成”。解构主义的矛头从本质上时直指“结构主义”，“结构主义”强调的是相对的有序性、稳定性、确定性。

“解构主义”则指出其问题的所在：在审美的过程中不论是审美主体还是审美对象本身都没有一层不变的，结构主义所指的稳定性是不存在的。

因此这一思潮的创始人雅克.德里拉开启了一个“解构主义的时代”，他的理论核心是对于结构本身的反感，他认为在现代艺术中符号本身已经能成为美的象征，它能够给与人们的不仅是某种心意的满足，更多的是获得这种满足的热烈的冲动。

延伸：以纯艺术或设计艺术为对象，根据设计的需要，进行符号意义的分解。这样的艺术手法并不是随心所欲的设计方法，而是具有重视内在结构因素和总体性考虑的高度化特点。它打破了正统的现代主义设计原则和形式，以新的面貌占据了未来的设计空间。

解构主义已从建筑、设计等造型艺术的范围，影响至音乐、戏剧、舞蹈、装饰设计和电影等方面。它的存在并非是对现实一味的讽刺或反叛，而只是以一个普通者的姿态观察我们生活的世界，以直观的艺术形式代替了深奥的艺术。

2、《吉他》特点

诞生于1913年3月31日的拼贴画《吉他》中是一幅特别前卫的作品，完全没有使用颜料。在此，绘画上通过人为地重现自然的写实主义的印记了无影踪。取而代之的是立体主义的真实原则：在一层新奇的物件上黏上另一层物件。

吉他的塑性如同附有幽灵一般，明明被切块，却无容积无深度可言，也不必指向外在现实中具体的真实存在。从作品中不难发现，毕加索喜欢形状诡异的拼贴多于连接紧密、流畅的结构。

(5)巴西的画家色彩拼贴画叫什么名字扩展阅读：

艺术手法

毕加索一生中画法和风格几经变化。也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁，早期画近似表现派的主题。在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了像《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。

德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。

毕加索十四岁那年与父母移居巴塞罗那，见识了当地的新艺术与思想。然而正当他跃跃欲试之际，却碰上当时西班牙殖民地战争失利。

政治激烈的变动导致人民一幕幕悲惨的景象，身为重镇的巴塞罗那更是首当其冲。也许是这种兴奋与绝望的双重刺激，使得毕加索潜意识里孕育着蓝色时期的忧郁动力。

玫瑰红时期的作品，人物表情虽依然冷漠，却已注重和谐的美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，已由先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的是对人生百态充满兴趣、关注及信心。

在《穿衬衣的女子》中，一袭若隐若现的薄纱衬衣，轻柔地勾勒着自黑暗中涌现的侗体，坚定的延伸，流露出年轻女子的傲慢与自信。鬼魅般地流动着纤细隐约的美感。

整体气氛的传达幽柔细致，使得神秘的躯体在氤氲中垂怜着病态美；拼贴艺术形成的主因，源于毕加索急欲突破空间的限制，而神来一笔的产物。实际上拼贴并非首创于毕加索，在19世纪的民俗工艺中就已经存在，但却是毕加索将之引至画面上，而脱离工艺的地位。

首张拼贴作品《藤椅上的静物》与1913年的《吉他》，都是以拼贴手法实现立体主义的最佳诠释。

后期画注目于原始艺术，简化形象。1915-1920年，画风一度转入写实。1930年又明显的倾向于超现实主义。第二次世界大战时，毕加索作油画《格尔尼卡》抗议德、意法西斯对西班牙北部小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸。

这幅画是毕加索最着名的一幅以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画，剧烈变形、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积、造型抽象，表现了痛苦、受难和兽性，表达了毕加索多种复杂的情感。晚期制作了大量的雕塑、版画和陶器等，亦有杰出的成就。

毕加索从十九世纪末从事艺术活动，一直持续到二十世纪七十年代，毕加索是整个二十世纪最具有影响力的现代派画家。毕加索的作品对现代西方艺术流派有着很大的影响。

毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。

他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。

1973年，他静静地离去了，走完了92岁的漫长生涯，如愿以偿地度过了一生。

毕加索毕生致力于绘画革新，利用西方现代哲学、心理学、自然科学的成果，并吸收民族民间艺术的营养，创造出了很有表现感的艺术语言；

他的极端变形和夸张的艺术手法，在表现畸形的资本主义社会和扭曲了的人与人之间的关系方面，有独特的力量。他的私人收藏，包括他自己及朋友的作品，都已捐赠给了法国政府。巴黎建有毕加索博物馆。

‘陆’ 毕加索是干啥地

简单说就是画家

巴勃罗·鲁伊斯·毕加索
开放分类： 艺术家、画家、人物、西班牙、天才

【生平大事记】
巴勃罗•毕加索（Pablo Picasso，1881～1973）出生在西班牙马加拉，法国共产党党员，是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。
------------------------------ 1881—1900年 童年时期
1881年 10月25日毕加索出生于西班牙南部的马拉加；
1889年 完成第一件油画作品《斗牛士》；
1895年 进入巴塞罗那的隆哈美术学校；
1897年 进入马德里的皇家圣费南多美术学院就读，油画作品《科学与慈善》获马德里全国美展荣誉奖，后来又在马拉加得到金牌奖；
-------------------------------1900—1903年 蓝色时期
1902年 完成“蓝色自画像”；
1903年 完成《人生》，以浓郁的蓝色调表示贫老与孤独的苦难；
--------------------------------1904—1906年 玫瑰时期
1904年 开始定居巴黎的“洗衣船”，玫瑰时期开始。邂逅费尔南德·奥利维叶，并同居：
1905年 创作《拿烟斗的男孩》并被慈善家约翰·海惠特尼女士以3万美元重金购得；
1906年 结识野兽派大师马蒂斯，为美国作家兼收藏家菖楚·斯坦因画像，《斯坦因画像》是毕加索从“玫瑰时期”跃入“立体主义”的跳板；
--------------------------------1907—1916年 立体主义时期
1907年 结识布拉克，开始立体派风格创作，创作《亚威农少女》；
1909年 解析立体派开始；创作《费尔南德头像》；
--------------------------------1917—1924年 古典时期
1917年 在意大利邂逅舞者欧嘉·科克洛娃，创作《欧嘉的肖像》；
1918年 与欧嘉结婚，与马蒂斯举行联展；
1920年 手工彩绘珂罗版《三角帽》；
1922年 创作《海边奔跑的两个女人》；
---------------------------------1925—1932年 超现实主义时期
1927年 邂逅年仅17岁的玛丽·德蕾莎·沃尔持，成为毕加索的模特。并生下女儿马姬；
1929年 与雕塑家贡萨列斯一起创作雕塑和铁线结构成。作系列以女人头像为题的攻击性画作，显现婚姻危机，结识达利；
---------------------------------1932—1945年 蜕变时期
1932年 创作《红色扶手椅中的女人》；
1933年 以雕塑家工作室为题，创作蚀版画
1934年 创作以斗牛为题的作品；
1936年 西班牙内战暴发。认识多拉。玛尔，并创作《多拉·玛尔的肖像》；
1937年 创作完成《格尔尼卡》；
1942年 创作版画《大自然的故事》
1943年 邂逅22岁的弗朗索娃·吉洛；
1944年 加入法国共产党；
1945年 开始尝试石版画创作；
--------------------------------1946—1973年 田园时期
1947年 儿子克洛德降生。在陶艺家哈米耶工作室制陶，至1948年共作了2000件陶艺术品；
1948年 为世界和平会议作“和平之鸽“海报和《贡戈拉的二十首诗》；
1949年 创作《卡门》系列；
1950年 获列宁和平奖章；
1953年 在玛都拉陶艺工作坊邂逅杰奎琳·洛克；
1954年 开始创作德拉克罗瓦的“阿尔及利亚女人”变奏系列；
1956年 与克罗鲁佐共同拍摄电影《神秘的毕加索》公映；
1957年 在纽约现代艺术馆举办“毕加索75岁纪念展”，创作版画《斗牛系列》；
1958年 毕加索为设在巴黎的联合国教科文总部大厦创作了壁画《伊卡洛斯的坠落》；
1959年 创作仿马奈《草地上的午餐》变奏系列；
1961年 与35岁的杰奎琳·洛克结婚，并庆祝毕加索80大寿；
1963年 绘制《画家与模特儿》；
1966年 巴黎大皇宫及小皇宫举办大型《毕加索回顾展》。创作《流沙系列》；
1968年 创作《塞莱斯蒂纳》和《可笑的男人》系列版画；
1970年 把西班牙家中保存的近2000件早期作品捐赠结巴塞罗纳毕加索美术馆：
1971年 巴黎国立现代艺术馆举办了《毕加索诞生90同年回顾展》；
1973年 92岁，4月8日逝世于坎城附近的幕瞻市。4月10日葬于佛文纳菊别墅花园里。

【艺术成就】
毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000件，包括：油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。

毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40％的高票当选为20世纪最伟大的十位画家之首。对于作品，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。”全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。

毕加索一生中画法和风格几经变化。也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁。早期画近似表现派的主题；在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。毕加索十四岁那年与父母移居巴塞罗那，见识了当地的新艺术与思想，然而正当他跃跃欲试之际，却碰上当时西班牙殖民地战争失利，政治激烈的变动导致人民一幕幕悲惨的景象；身为重镇的巴塞罗那更是首当其冲。也许是这种兴奋与绝望的双重刺激，使得毕加索潜意识里孕育着蓝色时期的忧郁动力。

迁至巴黎的毕加索，既落泊又贫穷，住进了一处怪异而破旧的住所“洗衣船”，这里当时是一些流浪艺术家的聚会所。也正是在此时，芳华十七的奥丽薇在一个飘雨的日子，翩然走进了毕加索的生命中。于是爱情的滋润与甜美软化了他这颗本已对生命固执颓丧的心灵，笔下沉沦痛苦的蓝色，也开始有了跳跃的情绪。细细缓缓地燃烧掉旧有的悲伤，此时整个画风膨胀着幸福的温存与情感归属的喜悦。

玫瑰红时期的作品，人物表情虽依然冷漠，却已注重和谐的美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，已由先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的，是对人生百态充满兴趣、关注及信心。在《穿衬衣的女子》中，一袭若隐若现的薄纱衬衣，轻柔地勾勒着自黑暗中涌现的侗体，坚定的延伸，流露出年轻女子的傲慢与自信。鬼魅般地流动着纤细隐约的美感。整体气氛的传达幽柔细致，使得神秘的躯体在氤氲中垂怜着病态美；拼贴艺术形成的主因，源于毕加索急欲突破空间的限制，而神来一笔的产物。实际上拼贴并非首创于毕加索，在19世纪的民俗工艺中就已经存在，但却是毕加索将之引至画面上，而脱离工艺的地位。首张拼贴作品《藤椅上的静物》与1913年的《吉他》，都是以拼贴手法实现立体主义的最佳诠释。

后期画注目于原始艺术，简化形象。1915-1920年，画风一度转入写实。1930年又明显的倾向于超现实主义。第二次世界大战时，毕加索作油画《格尔尼卡》抗议德、意法西斯对西班牙北部小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸。这幅画是毕加索最着名的一幅以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画，剧烈变形、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积、造型抽象，表现了痛苦、受难和兽性，表达了毕加索多种复杂的情感。晚期制作了大量的雕塑、版画和陶器等，亦有杰出的成就。毕加索从十九世纪末从事艺术活动，一直持续到二十世纪七十年代，毕加索是整个二十世纪最具有影响力的现代派画家。毕加索的作品对现代西方艺术流派有着很大的影响。

毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。

他静静地离去，走完了九十三岁的漫长生涯，如愿以偿地度过了一生。

【艺术活动年表】
1900年至1903年蓝色时期
由1900年起毕加索一直往来于西班牙及巴黎之间。1904年在巴黎定居，住在着名的“洗衣坊”。在巴黎，他结交了马克斯?雅各布、范唐吉、隆尔蒙、阿波里耐和拉平?阿吉尔的东主的女儿马德莱娜，他为马德莱娜绘了几幅肖像。其时他的作品仍受到在巴塞罗那大行其道的象征主义影响。
毕加索当时的生活条件很差，又受到德加、雅西尔与土鲁斯.劳特累克画风的影响，加上在西班牙受教育时染上的西班牙式的忧伤主义，这时期的作品弥漫着一片阴沉的蓝郁。

1904年至1906年粉红时期
1906年毕加索结识了马蒂斯。其后又认识了德兰和布拉克，与费尔南德?奥利维耶在蒙马特同住。其时他的经济已好转，生活比前愉快，画作用色变为轻快的粉红；绘画对象亦由蓝色时期的乞丐、瘦弱小孩和悲戚妇女转向街头艺人、杂耍艺人及风华正茂的女孩。
1906年至1910年非洲时期
1906年毕加索从德兰的非洲面具中得到启发，直至年底，其作品一直受非洲面具影响，此即为毕加索的非洲时期。他笔下的人体健硕而深沉，这种特征，在1907年的《阿威农的姑娘》中显露无遗，由不同组件组成的人体可从几个角度来观看，揭示毕加索的立体主义时期的来临。然而，整个时期仍有受塞尚影响的痕迹。
1910年至1914年分析立体主义
毕加索大部分的艺术家朋友都由蒙马特迁到蒙帕纳塞，他亦随他们迁居。其时的立体主义体验达到巅峰。雅克?比斯这样评论他：“作品由素描建构，色与调弱化到最起码的灰色与浅暗橘黄色；形体是几何图形化与综合而成的，造成迹近压抑其可辨认身份的效果，闯出桎梏，最终与形体剥离。”仿如从一面棱镜的焦点去看一个单一影象的多元角度。生活本来就是如此，然而毕加索把它延伸到肖像上。他与布拉克制作出第一批拼贴画。
1914年综合立体主义
1914年，战争使立体主义画家分道扬镳，各奔前程。毕加索重拾自由与个人在色彩上的品味，还有那旺盛的精力。无论从风格与绘画的对象上，他的“立体印象派”创作变得更加自由。纵观他的所有作品，他并未把自己局限于立体主义，而是继续从各方面探索。例如，1915至1916年的作品是自然主义的；1917年的却是现实主义。
1917年至20年代新古典时期
毕加索居于意大利，刚为迪亚希列夫执导的俄罗斯芭蕾舞剧《游行》设计背景与服装，其时邂逅了芭蕾舞演员奥尔加?科赫洛娃。1918年他与科赫洛娃结婚，婚后诞下一子。这段较安逸生活正值毕加索创作生涯的新古典时期，1921年与1926年他继续制作立体主义作品，1923年的作品却走现实主义路线。
1925年至1932年，毕加索进入超现实主义时期。1933年至1934年逗留西班牙期间，牛首人身怪作品出现。在大奥古斯丁路的新工作坊内，毕加索创作了大型制作《格尔尼卡》，其间做了许多筹备制作工作。
1945年他在瓦洛里斯绘画了一系列的静物画，并创作陶瓷。他的儿子克洛德于1947年出生，1949年再诞下女儿帕洛玛。他的作品中除了显示这种简单家庭生活的快乐之外，还表达了他对政治的承担：1944年绘制《骸骨的藏室》，1947年有《为了法国而死的西班牙人》。他继续绘画静物、风景、肖像……1950年，库尔贝的《塞纳河边的女人》启动了他的围绕名家大师作品的变奏创作。
1959年之前他居于康城，他在康城为德拉克鲁的《阿尔及尔的女人》与贝拉斯克斯的《宫女》埋头作画，同时继续《画室》的后续工作。他先搬到沃韦纳盖斯，然后在木甘附近的娜特丹?德?米城堡定居，继续他的变奏系列创作。由1960年到1972年，他孜孜不倦地工作。仅在这13年内，在目录中记载的作品已超过千件，种类分别有版画、素描和油画等。毕加索于1973年逝世，终年92岁。

毕加索的作品，无论质还是量，都是惊人的，约达六万件之数。这位天才横溢的艺术家“在极其漫长的创作活动的每一刻，似乎想做的都让他准确无误地作到了。为何有此能耐？他自己都不能解答。结果是十八般武艺，他样样皆能。”
巴勃罗·鲁伊斯·毕加索
巴伯罗•毕加索（1881～1973）出生在西班牙马加拉，是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000件，包括：油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。
毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40％的高票当选为20世纪最伟大的十位画家之首。对于作品，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。”全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。
毕加索一生中画法和风格几经变化。也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁。早期画近似表现派的主题；在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。毕加索十四岁那年与父母移居巴塞罗那，见识了当地的新艺术与思想，然而正当他跃跃欲试之际，却碰上当时西班牙殖民地战争失利，政治激烈的变动导致人民一幕幕悲惨的景象；身为重镇的巴塞罗那更是首当其冲。也许是这种兴奋与绝望的双重刺激，使得毕加索潜意识里孕育着蓝色时期的忧郁动力。
迁至巴黎的毕加索，既落泊又贫穷，住进了一处怪异而破旧的住所“洗衣船”，这里当时是一些流浪艺术家的聚会所。也正是在此时，芳华十七的奥丽薇在一个飘雨的日子，翩然走进了毕加索的生命中。于是爱情的滋润与甜美软化了他这颗本已对生命固执颓丧的心灵，笔下沉沦痛苦的蓝色，也开始有了跳跃的情绪。细细缓缓地燃烧掉旧有的悲伤，此时整个画风膨胀着幸福的温存与情感归属的喜悦。
玫瑰红时期的作品，人物表情虽依然冷漠，却已注重和谐的美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，已由先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的，是对人生百态充满兴趣、关注及信心。在《穿衬衣的女子》中，一袭若隐若现的薄纱衬衣，轻柔地勾勒着自黑暗中涌现的侗体，坚定的延伸，流露出年轻女子的傲慢与自信。鬼魅般地流动着纤细隐约的美感。整体气氛的传达幽柔细致，使得神秘的躯体在氤氲中垂怜着病态美；拼贴艺术形成的主因，源于毕加索急欲突破空间的限制，而神来一笔的产物。实际上拼贴并非首创于毕加索，在19世纪的民俗工艺中就已经存在，但却是毕加索将之引至画面上，而脱离工艺的地位。首张拼贴作品《藤椅上的静物》与1913年的《吉他》，都是以拼贴手法实现立体主义的最佳诠释。
后期画注目于原始艺术，简化形象。1915-1920年，画风一度转入写实。1930年又明显的倾向于超现实主义。第二次世界大战时，毕加索作油画《格尔尼卡》抗议德、意法西斯对西班牙北部小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸。这幅画是毕加索最着名的一幅以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画，剧烈变形、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积、造型抽象，表现了痛苦、受难和兽性，表达了毕加索多种复杂的情感。晚期制作了大量的雕塑、版画和陶器等，亦有杰出的成就。毕加索从十九世纪末从事艺术活动，一直持续到二十世纪七十年代，毕加索是整个二十世纪最具有影响力的现代派画家。毕加索的作品对现代西方艺术流派有着很大的影响。
毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。
他静静地离去，走完了九十三岁的漫长生涯，如愿以偿地度过了一生。